di Chris Black, pubblicato da GQ il 14 settembre 2023
La maggior parte degli atleti sono risoluti. Hanno lavorato per gran parte della loro vita verso un obiettivo specifico e di conseguenza hanno sviluppato una sorta di visione a tunnel. Reilly Opelka è diverso. Il 26enne è prima di tutto un tennista, ma anche un appassionato e competente collezionista d’arte e un appassionato di moda. Ha preso sul serio il tennis quando aveva 12 anni a Boca Raton, in Florida, e ha avuto una solida carriera nel circuito da quando ha debuttato nell’ATP Tour nel 2016. Opelka è alto più di 2 metri e 10 cm e ha un servizio potente che lo ha aiutato a diventare numero 19 nel 2021 dopo una grande prestazione allo US Open dello stesso anno.
Opelka era a New York la scorsa settimana per l’Armory Show, la fiera d’arte che si svolge al Javits Center. (È stato costretto a saltare gli US Open a causa di un infortunio al polso.) Ci siamo incontrati per una colazione tardiva al Crosby Street Hotel. Opelka era pronto e vestito per l’occasione con una camicia trasparente, jeans e massicci mocassini. Una borsa rotonda Louis Vuitton si faceva carico di trasportare gli effetti personali e simili. Mentre mangiava una frittata, abbiamo scoperto il suo amore per Philip Guston, il mercato secondario, i consulenti d’arte, la collezione di John McEnroe, il tempo trascorso ad Anversa, Bode e il modo in cui il denim Margiela gli si adatta perfettamente.
GQ: Sei a New York. Sono sicuro che andrai agli US Open.
Reilly Opelka: Io non lo sono.
Veramente?
Veramente, no.
Ma andrai all’Armory. Stai facendo shopping, socializzi o tutto quanto assieme?
Farò un po’ di acquisti. C’è un artista che desidero in questo momento, Armen Eloyan. Penso che sia rumeno. Ha circa 50 o 60 anni. Vive in Svizzera ed è una specie di artista dell’artista. E’ un pittore incredibile. Il mio artista preferito è Philip Guston, ed è lì che mi sono sentito attratto da lui. C’è stata una mostra che [Eloyan] ha fatto nel 2021 con queste figure simili ad alberi, e sembrava SpongeBob Squarepants ma fumava sigarette e sembrava che avesse preso un sacco di droghe. E questa mostra ha molte figure di Topolino, ma il modo in cui è dipinto mi ricorda Brice Marden. Ho letto il suo libro e trae molta ispirazione da De Kooning e McCarthy, ed è questo che piaceva a Brice Marden. Stanno attingendo alla stessa fonte. Ha trascorso molto tempo in Unione Sovietica a guardare i cartoni americani, quindi prende questi innocenti personaggi Disney con cui siamo cresciuti, come Topolino, Minnie e SpongeBob, e li mostra come se fossero passati attraverso lo strizzatoio. Sembra uno strappo alla società americana e alla realtà in cui ci troviamo tutti in questo momento.
Cosa ti attrae in un’opera? È solo: “Sento qualcosa quando la guardo?”
Totalmente, perché tutto è diventato davvero mediocre. Guardi alcuni di questi ragazzi che espongono nelle principali gallerie che non hanno mai fatto una mostra prima; erano tatuatori due anni fa e ora hanno una mostra personale e vendono per 350 mila dollari un dipinto.
La galleria ha il potere. In teoria, possono farti diventare una star se il marchio è abbastanza forte e alcune persone vogliono questo.
Sono un tennista prima ancora che un collezionista d’arte, ma penso che il miglior vantaggio che ho sia la fiducia in me stesso. So che non è una gara, ma come atleta è difficile non essere competitivo.
Certo, io trasformo tutto in un gioco.
Penso di vedere le cose molto meglio della maggior parte dei giovani collezionisti perché non compro con le mie orecchie. Non me ne frega di come sia il mercato secondario e non guardo gli elementi comparabili. Ogni artista che ho amato non ha ricevuto amore dal mercato secondario. Un tempo c’erano molti Guston a New York: forse non ne avrei mai avuto uno ora, ma se fossi stato in giro ai suoi tempi, avrei una dozzina di dipinti di Philip Guston.
Penso che gli outsider siano attratti quell’atmosfera da mercato azionario perché ci sono in ballo un sacco di soldi ed è sexy, ma queste sono assolutamente le ragioni sbagliate.
Crea molte collezioni tristi. È quello che è.
Conservi la tua arte o ti piace conviverci?
Non ho spazio sulle pareti, ma appendo tutto ciò che posso. Ne guarderò alcuni in magazzino, poi tirerò fuori alcune cose e le ruoterò.
Quando sento parlare di quegli impianti di stoccaggio offshore ed esentasse, penso solo, wow, non ti interessa davvero guardarli.
È lì dove il mondo è andato a finire, ma adoro ogni opportunità di andare controcorrente. È così che nascono le collezioni di successo.
Hai un consulente con cui lavori?
No, non credo nei consulenti. Non rispetto neanche un po’ quel lavoro. Potrebbe esserci un consulente artistico proprio qui adesso: non lo intendo come una frecciata personale nei loro confronti, ma non rispetto la professione. L’esperienza ha valore, certo, ma la loro esperienza consiste nel conoscere gli elementi comparabili. Meglio vadano a fare gli agenti immobiliari.
Quando vai alle fiere, è opprimente avere così tante cose in un unico posto, oppure ti piace?
Sono il male necessario del mondo dell’arte. Se non riesco ad avere un contesto, non posso davvero acquistare dalle mostre collettive.
Vuoi essere nel loro mondo e vederlo nel suo insieme.
Non sto dicendo di sbarazzarcene, perché ciò potrebbe danneggiare gli artisti. Hanno bisogno di tenere le luci accese nel loro studio e hanno bisogno di alcune opere da vendere in modo ogni tanto durante l’anno, ma non è la cosa più allettante [come collezionista].
Concordo.
E vedi i peggiori consulenti d’arte che vanno in giro, facendo rete, come lo chiamano loro. Odio le chiacchiere perché diranno tutti la stessa cosa. Posso già dirti i tre nomi che sentirò sei volte oggi, e tutto si basa sulle aste.
Segui le aste?
No. Il mercato è il mostro. In questo momento sto cercando questo incredibile artista di nome Norbert Schwontkowski, che è morto, ma puoi avere i suoi dipinti solo quando verranno messi all’asta. Quindi, ogni volta che Phillips, Sotheby’s o Christie’s ne ottengono uno, riceverò una notifica, ma non mi limiterò a scorrere e guardare cosa sta arrivando.
Fai molte visite in studio?
Sì lo faccio. Adoro il modo in cui gli artisti odiano la parola “visita in studio”. È l’unica cosa che hanno tutti in comune, almeno quelli buoni. È falso, ripetitivo e mette a disagio. Devono comportarsi come se amassero tutto, altrimenti un collezionista si aggrapperà solo a un’opera. Quindi, quando vado, cerco di non mostrare alcuna emozione o di dire loro quanto sono bravi perché so che lo sentono sempre. Cerco solo di osservare e di andarmene.
Gli spazi di alcune persone sono superpuliti, super abbottonati con tutti gli assistenti e tutto sintonizzato, ma in altri studi sembra che sia esplosa una bomba. È una vera finestra nella mente. Chi è il tuo gruppo artistico? Con chi ti muovi?
Tim Van Laere. È un gallerista. È un punk totale e lo dico in senso positivo.
È stato il tuo sciamano?
Totalmente. E Venus [Williams], potremmo parlare di arte tutto il giorno.
Anche lei è una collezionista?
Ha una bellissima collezione. E parlo molto di arte con John McEnroe. Mac ha la collezione più seria di tutte. Guston, Basquiat, Ruscha: Pettibone lo ha dipinto. Warhol ha realizzato tre diverse opere di McEnroe. Tutte le leggende ce l’hanno. Se avessi giocato nella sua epoca, la mia collezione sarebbe proprio come quella di Mac. Non so se abbiamo gli stessi gusti, forse non avrei comprato un Basquiat, ma avrei comprato 10 Guston. Forse non Warhol, ma Cy Twombly…
Basquiat e Warhol sono entrambi interessanti perché gli amministratori immobiliari lo hanno rovinato. La licenza è troppo facile da ottenere. Non dovrei poter comprare boxer disegnati da Basquiat, ma ovviamente questo non ne pregiudica il valore.
E i critici diranno: “Oh, quest’anno è migliore di quello”. Tutti cercano Basquiat del 1982 perché un gruppo di ragazzi ha concordato che quello è stato il suo anno migliore, ma nell’85, nell’86, aveva a che fare con della roba oscura e pesante. Quei dipinti non sono da meno. Sono solo diversi. È quella mentalità che mi fa uscire dai gangheri. Odio anche il modo in cui raggruppano gli artisti. Odio il termine “emergente”. Non è necessario etichettarli. Puoi comunque avere una conversazione senza l’etichetta.
Traduzione di Massimo Volpati
